【プチ講座】なぜ手振れはNGとされるか

 

 

最近のビデオカメラには、手振れ補正機能が必ず入っている。パナソニック、キヤノンなどは、画素数が増えたことを利用した電子補正。これに対して、ソニーはレンズそのものを動かす「空間手振れ補正」を採用する（上図）。

 

昔のビデオカメラにはこうした機能はなく、プロは三脚を使うか、ハンディのさいは最広角でとにかく前に出るという方法で、撮っていた。最近では、民生機の技術を援用して、業務機にも手振れ補正が搭載されるようになった。

 

では、そもそもなぜ、手振れ補正が必要なのか。その理由は、二つある。

 

一つは、映像メディアの社会的位置づけにある。報道分野においては、活字媒体に比べ写実性に優れ「現実の記録である」という共通認識が主流だった時代は、「カメラマンはいないことになって」いた。

 

これは、NHKのカメラマンが当時実際に私に言った言葉だ。だから、手振れは徹底的に忌避された。手振れがあると、撮っている人間を意識させてしまうからだ。

 

その後「作り手の存在」は、民生用ハンディカムが普及した80年代以降、次第に共通認識となっていった。プロの世界でも、「部分的なら手振れのあるショットもリアルでいい」という風潮が生まれた。

 

それでもなお、手振れ補正が重視されてきたのは、なぜなのか。

 

それは、「動いている枠の中にさらに動いているものを見る」という認識方法が、人間の脳に負担をかけるからである。これがまさに二つめの理由だ。
 

 

プロがカットを切り替えて編集したり、中継したり、というのは、一つには切り替えによる断続的な視覚的刺激を利用して、視聴者を飽きさせないという理由があるが、ショットに手振れがあると、視覚的刺激がさらに増えて視聴者は疲れてしまう。

これは、映像云々でなくとも日常的にあることだ。例えば乗り物の中で本を読む。乗り物が安定走行しているときは問題ないが、車が悪路を走ったり、電車が極端に揺れたりすると「酔う」、というのと同じなのである。

 

記録媒体が高容量化した今ではあまり問題はないが、実はデジタル圧縮にも、手振れは悪影響を与える。圧縮技術は、連続するショットの共通部分をいかにしてうまく省くかという方向で発達してきた。

 

だから、AVIやWMVなどの映像ファイル形式が使われていた時代は、手振れの多い映像素材は、編集の書き出しに時間がかかり、完成品のデータ量も多かったのだ。

ということで、映像手法には、文化的側面だけでなく、認知という脳科学的な側面も重要というお話でした。